C’est sur le stand 90, celui de la galerie Dina Vierny que je me suis rendue plus particulièrement puisque l’espace était dédié à cette grande dame, Madame Dina Vierny que j’ai eu la chance de rencontrer. Elle fut la muse d’Aristide Maillol les dix dernières années de la vie du sculpteur.

Dina Vierny disparue en janvier dernier a non seulement été le modèle de Maillol, celui de Bonnard et de Matisse mais aussi une découvreuse de talent et exposé de grands peintres et sculpteurs dans sa galerie tels que Serge Poliakoff, Jacques Doucet, Robert Couturier et Gilioli.
Ses fils, Olivier et Bertrand Lorquin qui marchent dans ses pas ont fait le choix au travers de quelques pièces et photographies d’honorer la mémoire de leur maman. Et c’est lors d’une conférence donnée par Bertrand Lorquin ce mardi 15 Septembre à 18h accompagnée d’une projection d’images que l’émotion a envahi les cœurs présents et fais trembler le monde de l’art.

Il ne faut pas oublier, jamais.

Madame Dina Vierny, modèle, galeriste et collectionneuse a également crée le Musée Maillol-Fondation Dina Vierny, ouvert depuis 1995 et a marqué les esprits de tous ceux qui l’ont rencontré.

Merci à Madame Anne Sanquer-Guilloux, elle-même sculpteur pour sa gentillesse et son accueil sur le stand.

Déborah Vincent

Grand Palais-Paris 8e
Avenue Winston-Churchill
11/20 Septembre 2009 de 11h00 à 20h00
Nocturnes les 15 et 17/ 22h00

www.sdcfrance.eu

Lors de la conférence de ce 21 Novembre « Berlin, l’art engagé-Autour de Peter Klasen » au Tri postal de Lille, en présence de l’artiste, les amateurs ont pu, avant ou après avoir pris connaissance de l’exposition, mieux saisir l’approche et la réflexion du créateur.

Après une formation aux Beaux Arts de Berlin, Peter Klasen arrive à Paris en 1959 et installe son atelier rue de Clignancourt. Il aurait pu faire partie des Nouveaux Réalistes mais souhaite rester peintre tout en voulant se démarquer et réagir aux changements de la société. C’est pourquoi, il introduit dans son oeuvre des objets divers tels que des ampoules, des seringues, des interrupteurs, des thermomètres et des stéthoscopes (un certain érotisme étant suggéré dans ses compositions avec tubes phalliques et/ou boutons clitoridiens) mais il utilise également des techniques différentes comme le pochoir, l’aérographe et la photographie.

Il se plait à créer des assemblages curieux entre les mots, les objets et les images.

Ces objets surprennent et inquiètent. Ils ont une connotation parfois sexuelle mais sont aussi des objets très menaçants. L’artiste fait réagir et le spectateur ne peut être indifférent .

Dès 1962, il est un des fondateurs de la Nouvelle Figuration. Dans ce mouvement que l’on appelle ensuite la Figuration Narrative, on retrouve Valerio Adami, Erro, Jacques Monory, Bernard Rancillac et Hervé Télémaque.

Ce mouvement est en opposition à l’abstraction et au Nouveau Réalisme. Ce groupe d’artistes aux influences et sensibilités différentes va créer une rupture et s’imposait progressivement.

Quatre projets de plasticiens (J.J Tachdjian, E. Chevalier, C. Lanselle et A. Orru et Lady Shove) autour de l’œuvre de cet artiste sont proposés aux spectateurs avant l’entrée de la Rétrospective. La citation qui suit est le point d’appui de l’un d’entres eux et donne également l’orientation de l’œuvre de Klasen:

« Ma peinture est profondément liée à l’environnement urbain dans lequel je vis. Elle se comprend comme un refus voire une dénonciation d’un monde de plus en plus envahissant d’objets et d’images qui conditionnent fondamentalement notre vie quotidienne »

La Rétrospective permet de voir les tableaux binaires, Bidet (une pièce en trois dimensions ) de 1968 qui est un hommage à Duchamp, ses créations sur le thème de l’enfermement et les dérives de certains hôpitaux psychiatriques, le mur de Berlin et la colonie pénitentiaire.

Cette dernière a tout spécialement été conçu pour l’exposition. Cette oeuvre dérangeante est inspirée de la nouvelle de Kafka de 1919 du même titre. C’est une machine où l’on peut voir lit, seringues, chaînes et ceintures et où l’on entend grincements et sons étranges (composition musicale de Pascal Dusapin).

Extrait :

« C’est un appareil singulier » dit l’officier au visiteur en voyage d’étude et il considéra d’un regard plutôt admiratif cet appareil que pourtant il connaissait fort bien. Le voyageur paraissait avoir accepté par simple politesse l’invitation du commandant qui lui avait proposé d’assister à l’exécution d’un soldat, condamné pour insubordination et outrage à son supérieur. On n’avait pas l’air de porter grand intérêt à cette exécution dans la colonie pénitentiaire d’ailleurs », « comme vous voyez, il se compose de trois parties. Avec le temps sont apparues pour chacune des appellations populaires pour ainsi dire. La partie inférieure c’est le lit, celle du haut, le traceur et celle du milieu ici qui est suspendue, la herse »

Le spectateur est à la fois fasciné et effrayé par cette œuvre-machine et tueuse qui l’absorbe et l’hypnotise.

Klasen propose également « le déjeuner sur l’herbe » de 1964, « Visage » et « Vénus mécanique » de 1979. La seconde n’est autre que l’image de la Joconde répétée trois fois avec les inscriptions  « avant, pendant et après » La Joconde a subi une chirurgie et le dernier visage porte un bandage sale et ensanglanté. Ces citations interrogent le spectateur sur la réappropriation de l’œuvre.

« Beauty » de 2003 est une série de corps féminins photographiés et morcelés. Un néon vient épouser la courbe et accentue l’ondulation de ce corps.

Klasen montre souvent un regard, un morceau de corps, fait également référence au cinéma. Son œuvre est vaste et il est difficile de la réduire à quelques phrases.

Le mur de Berlin tient évidemment une place importante. Il réalise un travail sur la mémoire et les traces de l’Homme face à l’Histoire et à son histoire.

L’œuvre de Klasen est riche, investie et engagée et pousse à la réflexion.

« Rien n’est anodin dans ce qui est produit », dit-il. Il s’agit de se laisser capturer par l’œuvre et de l’observer avec attention. Ainsi, avec nos propres angoisses et connaissances, nous pouvons accéder très certainement à de nouvelles lectures.

Sa position est « attentive et créative », dit-il. (attentive à ce qui l’entoure et créative de par ses inventions). Ayons également cette attention afin de  saisir tout le message de l’œuvre mêlant à la fois peinture, objet et culture. Cet univers Klasénien nous oblige à penser notre positionnement et notre engagement dans la société.

La Rétrospective de Klasen se termine le 29 Novembre 2009 tout comme Citéphilo2009 « Usages du temps, ville invitée : Berlin ».

Certaines conférences à venir traitent de la violence, du Temps et du travail, du Haïku mais vous pouvez aussi assister à une étude sur la notion d’œuvre en danse et une projection-débat autour des films d’Alexander Kluge.

Klasen présente également des photographies jusqu’au 13 Février 2010, LAAC, Dunkerque et des Estampes aux Anciennes écuries, Roncq jusqu’au 28 Novembre.

Déborah Vincent

www.mairie-lille.fr

www.citephilo.org

L’atelier qu’il a plutôt l’habitude d’appeler la boutique est un de ses lieux de création et qui que ce soit s’y introduit ne peut en ressortir que grandi.

En effet, c’est la rencontre d’un homme charismatique au caractère bien trempé, d’origine corse qui vous attend et qui vous étonnera, j’en suis sûre. Peignant pour autant qu’il s’en souvienne depuis sa plus tendre enfance, sa peinture est essentiellement dédiée à la femme, « choyée ou utilisée ».

Yves Simonpaoli dit Paoli arrive à Paris en 1947 et tout en étudiant la médecine, fréquente les galeries parisiennes et les clubs de jazz, Le Tabou notamment, lieu mythique ouvert cette même année au 33, rue Dauphine qui a vu jouer de grands noms du Jazz comme Miles Davis.

La vie ne vaut la peine d’être vécue sans plaisir, c’est pourquoi Paoli n’a eu de cesse de peindre en répétant les mots suivants : « je fais la peinture à la toile comme l’amitié à un ami et l’amour à une femme, c’est ma manière de vivre ».
Son sujet de prédilection est le corps féminin et son œuvre, riche et dense pourrait être la seule inspiration de toute une vie d’écrivain.

Paoli nous invite dans une peinture où le mouvement des corps, chevelures, bras et pieds créent rythmes et danses interminables. Le spectateur ne peut que succomber tant ces corps qui se dispersent et dansent sur la toile, s’enivrent de couleurs chaudes. Un grand nombre de ses toiles portent le prénom d’une femme : Apolline, Annick ou Flora. Son œuvre est un hymne à la femme et au vivant.

Nous pouvons également entrer dans ses paysages dits « essensuels » de 1999, découvrir les « gestes amoureux », le « plaisir » et la « joie de peindre », « les Touaregs » de 1987 ou bien encore l’ « Hommage à De Staël » de 1980.

Il a également peint en 2006 son plus grand tableau qu’il appelle « Test-Amant » réalisé en trois semaines et dont les dimensions sont de 11m x 4,50 m.
Cette peinture réunit certains sujets qui l’ont suivi tout au long de sa vie : la femme, les taureaux, les sumos, les grenouilles et les galets du Golo.

Trois choses essentielles pour lui : le dessin, la composition et la matière. Tout se tient, se réchauffe, s’étend et s’équilibre. C’est par sa main que cet équilibre des formes, belles et voyageuses, est possible.

Sinézouboff et Geer Van Velde sont des rencontres importantes dans sa vie et décident et/ ou confirment à des périodes différentes de son engagement à la peinture.

Les constructions abstraites des toiles des années 50 marquent son appartenance à la génération des peintres abstraits. Mais « il y a toujours une femme » dit-il, même quand on ne la voit pas.

Paoli offre une peinture exprimant le plaisir de vivre, de respirer et d’être, tout simplement.
Il est représenté de 1954 à 1975 à la galerie La Roue chez Guy Resse, rue Grégoire de Tours à Saint Germain des Près. Il participe à des Salons : le Salon Comparaisons, le Salon de Mai et Réalités Nouvelles. Il est dans les collections de la Ville de Paris et du Musée Picasso à Antibes.

L’artiste laisse son geste le guider et figer une émotion sur la toile. Paoli peint l’immédiateté. Toutes les lignes courbes et traits vifs se développent et se déploient, tel un oiseau prenant son envol.
L’émotion est la seule chose qui compte à ses yeux et c’est ce qui l’anime, encore aujourd’hui.
Si la peinture est un trait et une couleur, Paoli est un grand peintre enchanteur de formes.

C’est pourquoi je vous invite à découvrir l’oeuvre de Paoli qui vous donne rendez-vous à « la boutique des envies » au 3 bis, rue Boyer Barret à Paris dans le 14e arrondissement.

Déborah Vincent

Yves Simonpaoli dit Paoli, peintre appartenant à la génération des peintres abstraits

L’intrigue et le mystère sont au rendez-vous de cette exposition avec une petite tristesse puisque l’association « Itinéraires souhaite bon vent au Cube Blanc ». En effet, c’est la fin d’une aventure qui a duré trois ans, la galerie Cube Blanc fermant ses portes.

Cependant, les sept artistes ont voulu pour faire honneur à cet espace qui a accueilli tant de partage artistique, présenter avant la fermeture définitive quelques unes de leurs créations, afin de rendre hommage et de se souvenir de ces moments passés ensemble.

Patricia Caroff, Emmanuelle Favard, Patrick Laurin, Catherine Lhuissier,  Pétra Schwanse,  Marie Rancillac et Michel Vicario exposent au travers de démarches tout à fait différentes des notions telles que le temps, la séparation, l’absence et la profondeur de l’être, sa douleur et sa quête.

J’ai pu rencontrer et échanger quelques mots avec Patrick Laurin, Pétra et Catherine Lhuissier et je vais m’efforcer de vous donner mon ressenti, celui-ci je l’espère vous donnera envie d’aller voir de plus près.

Patrick Laurin, c’est avant tout un travail de précision et d’une grande maîtrise technique. Ses corps tronqués se tournent, se tordent, avancent ou s’arrêtent et semblent réfléchir.

Ils sont debout ou près du sol. Des mains aux veines parfaites s’approchent de ce sol comme pour implorer la Terre, cette Terre nourricière ; ces personnages aux visages inconnus et aux bustes inexistants ne souhaitent-ils pas découvrir leur « originel », là où tout a commencé ? Leur ombre les dépasse et ricane. Oui, un corps peut en cacher un autre…

Avancer, reculer, hésiter, prier que les choses changent ou accepter qu’elles soient ce qu’elles sont, croire, ne plus croire, espérer, disparaître, déformer, repenser, tracer, marcher, respirer et s’essouffler.

C’est le formidable combat que mène l’humain qui ne cesse d’être entre l’espoir et le désenchantement.

En voyant le travail de l’artiste Pétra, j’ai pensé à un magma humain. Pourtant, les deux toiles où des personnages sont visibles, sont également très distinctes et au nombre de deux sur chacune d’elle. Mais une douleur apparaît sur les visages, yeux écarquillés et bouche ouverte criant au désespoir.

Peinture, vraies vestes de tissu épais, cheveux , mains fabriquées, grillages, fleurs séchées, robes recouvertes de résine, c’est un travail de matière et parfois non transformée, ce qui ajoute évidemment et accentue cet effet de terreur ambiante. Matière brute et brutalité de l’existence.

Les personnages sont remplis d’angoisse, ce qui les entoure semble les effrayer. Les personnages de Pétra, êtres sans identité ou « Mère et fille » sont tout à fait déstabilisant. Dans cette dernière toile, l’adulte est « encadré » d’une ligne rouge, le séparant de l’enfant, celui-ci au cheveu blanc, porte une petite poupée à la main gauche.

On voit le jouet de l’enfant et on se dit que le jeu n’est plus possible. Les fleurs séchées en bas de la toile évoquent le plaisir d’antan, qui a depuis longtemps disparu.

Ils ne sont que témoins et peut-être rescapés d’une bataille sanglante menée par un fou.

Catherine Lhuissier nous présente  des créations accompagnées pour certaines d’entres elles de textes, extrait littéraire et paroles de chanson.

On retrouve par exemple un extrait d’une des chansons de Georges Moustaki  « Sans la nommer » sur un petit format avec photos de famille :

« C’est celle que l’on emprisonne, que l’on trahit, que l’on abandonne, qui nous donne envie de vivre, qui donne envie de la suivre jusqu’au bout jusqu’au bout jusqu’au bout »

Le « Silence » de 2007, œuvre présente à l’exposition est une installation bâche et tôle H 2m X L 0,90 m,  travail étonnant de photomontage numérique, impression sur bâche et peinture acrylique. Cette pièce est accompagnée d’un extrait de « Les Carnets d’un jeune homme » 1976-1981 de Philippe Caubère et les mots sont les suivants :

« L’artiste ne saura jamais assez combien de richesses gisent dans les terrains abandonnés de son enfance, et combien la reconquête de ces zones d’ombre restera toujours la clef de ses multiples problèmes » Une tôle est posée près de la bâche et nous pouvons y lire cette inscription : « t’as perdu ta langue ? »

L’artiste a travaillé son arbre généalogique et à l’aide de montage-photographique s’est déployée sur des formats de plus en plus grands puisqu’elle fait agrandir ses montages sur des bâches parfois  de 4 mètres. Les photos sont cousues entre elles. Des morceaux sont parfois découpés et retravaillés. Catherine Lhuissier propose dans ce travail une couture étonnante de disparus. Elle fait renaître et/ou disparaître et c’est avec eux qu’elle existe.

Les corps ou visages sont là, défigurés par l’horreur ou décharnés, coupés en morceaux ou à l’état de souvenirs. Ils s’auscultent et s’immiscent dans notre esprit laissant trace et faisant rupture avec le temps.

Nous sommes désormais à la recherche de notre ombre perdue, à la recherche de notre moi profond et finalement de ce qui est universel. Nous avons tous notre part d’ombre et cette exposition nous montre combien nous pouvons construire et se construire avec elle.

Une gravité se dégage de toutes ces créations et finalement pose la question de savoir ce qui est sombre et ce qui ne l’est pas. Le sombre n’est pas une couleur mais profondeur et je ne peux qu’affirmer que l’association « Itinéraires » offre aux spectateurs une leçon d’humanité.

Qui sommes nous, d’où venons nous et où allons nous, quelle trace laissons-nous de notre passage…

Exposition au 3, rue Française 75 001  Paris

métro Etienne Marcel

Exposition encore visible les jeudi 10, vendredi 11 et samedi 12 Décembre 2009

de 14h à 18h

Pour plus d’informations sur l’association :

www.itineraires-artcontemporain.asso.fr

Déborah Vincent

Nous allons surement relancer le site plus tard quand le temps nous le permettra, rien ne presse.

Personnellement je veux remercier tous les gens qui nous ont encouragé.

A bientôt.

L.

Nicolas Lelièvre entame en 2010 un cycle de résidences croisées entre Tokyo (Tokyo Wonder Site) et Paris (le Cent Quatre) lors desquelles il développe de nouveaux rapports au mouvement, à la durée et à l’espace dans les images.
Parallèlement, Nicolas Lelièvre participe régulièrement en tant que vidéaste à des créations de spectacles de théâtre (Cie LàOù, Théâtre de l’Arpenteur,…) et de danse (Cie EnCore, Cie Jean-Pierre,…). Ses travaux sont régulièrement montrés en France et à l’étranger.

Dans le cadre d’Attraction, festival au 104 présenté en décembre 2010, a été projeté monumentalement son travail « à l’échelle urbaine » de RIEN NE SE/TOUT SE: PERD
La suite, fabuleuse, vous est présentée ici, avec RIEN NE SE/TOUT SE: TRANSFORME, en collaboration avec Kangding Ray et Jean-Baptiste André.

music : Kangding Ray
gestures : Jean-Baptiste André
directed by Nicolas Lelièvre
Shot at Le Cent Quatre (Paris), october 2010
More info here : www.nicolaslelievre.com

Samantha Rouault

5 rue de Lobau
75004 Paris
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Métro : Hôtel de ville (lignes 1, 11)
Bus : lignes 70, 72, 74, 76, 96

Tarifs : Entrée gratuite

Place Georges Pompidou
75004 Paris

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Les expo du Centre Pompidou.

Métro : Rambuteau (ligne 11), Hôtel de Ville (lignes 1, 11), Châtelet (lignes 4, 7, 11, 14)
Bus  : lignes 21, 29, 38, 47, 58, 69, 70, 72, 74, 75, 76, 81, 85, 96
RER  : Châtelet-Les Halles (RER A, B, D)
Parking  : Parc autos payant : entrée par la rue Beaubourg et par la voie souterraine des Halles

Horaires :
Fermeture de la caisse à 20h.
Fermé le 1er mai.
Lundi 11h – 21h
Mardi fermé
Mercredi 11h – 21h
Jeudi 11h – 21h
Vendredi 11h – 21h
Samedi 11h – 21h
Dimanche 11h – 21h

Tarifs :

Contact :
téléphone : 01 44 78 12 33
site officiel Centre Pompidou

Plan d’accès au centre Pompidou :

Agrandir le plan

« Égypte de papier » à la BNF : les plus  belles pièces sorties pour la 1ere fois du fonds iconographique et qui illustrent autant l’art pharaonique que l’art arabe.
« Égypte de pierre » au Louvre : des archives inédites sur l’histoire du transport de ce monument, et la découverte de sa signification depuis le XIXe siècle.

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